Los secretos de Dumbledore, la mejor de la trilogĆ­a.

Los secretos de Dumbledore

Es simplista poder pensar que la nueva trilogƭa del Wizarding World, el universo que antecede lo que vimos en Harry Potter, es solamente una sola historia, es mƔs compleja que un joven atormentado por el abandono o una historia de amor.

Lo que me queda claro es que tanto ā€œAnimales fantĆ”sticos y donde encontrarlosā€ y ā€œLos crĆ­menes de Grindewaldā€ no sabĆ­an quĆ© rumbo tendrĆ­an. El personaje que habĆ­an planteado con Credence, que creĆ­amos serĆ­a el central, incluyendo uno de los sucios secretos de la familia Dumbledore, aunque tenĆ­a personalidad, no tenĆ­a rumbo. El romance Tina/Newt, la verdad es que sin personalidad, sin quĆ­mica y si estaban o no junto pues daba igual. El camino que habĆ­a tomado Queenie al final de la segunda entrega fue absurdo y digamos que el inicio en estas dos primeras partes era ambiguo.

Con ā€œLos secretos de Dumbledoreā€ la historia comienza a tomar una personalidad, aĆŗn no tiene el rumbo que deberĆ­a. Esta tercera parte se encarga de cerrar los hilos que las otras dos habĆ­an creado fallidamente. AquĆ­ todo se enfoca en la imposibilidad que Albus tiene para matar a Gellert. Aunque debo aceptar que Newt Scamander no es mi personaje favorito, aquĆ­ es el conducto de Dumbledore para derribar el plan de Grindewald para dividir al mundo mĆ”gico.

La subtrama sobre las ideologías totalitarias y las políticas divisoras es interesante y aunque es apenas una ligera exploración, creo que es un gran reflejo de la sociedad tan dividida en la que nos hemos convertido. Pienso que si la historia se comienza a ir mÔs por ese lado puede que sea un camino correcto.

Recordemos que estas historias, desde la segunda parte, son historias mucho mĆ”s adultas. No estĆ”n enfocadas en los niƱos y aunque sĆ­ tienen elementos que la podrĆ­an llevar por ese lado, todo eso ha sido disminuido en beneficio del desarrollo mĆ”s polĆ­tico de los personajes principales; que es aquĆ­ donde falla tremendamente ā€œLos secretos de Dumbledoreā€.

El guion de Steve Kloves se toma el tiempo de cerrar historias y arcos dramÔticos, eso lo arrastra toda la película; al mismo tiempo da la sensación de que quiere abarcar mucho, pero no hay de otra, se deben de concluir y arreglar lo que los guiones de Rowling, sin Kloves; hicieron.

Ahora, muchos dicen que no hay secretos de Dumbledore y que el tĆ­tulo es un mero bait para atraer al espectador, sin embargo, no es asĆ­. Recordemos el libro que escribe Rita Skeeter en la saga de ā€œHarry Potterā€, segĆŗn este libro habla sobre quĆ© Dumbledore mató a su hermana a propósito y aquĆ­ lo aclaran. Me refiero a que ahondan en la problemĆ”tica familiar de Albus y su hermano Aberfoth, los conflictos que los llevaron al distanciamiento que se veĆ­a en HP.

La película en términos generales es lenta porque se toma el tiempo necesario de concluir personajes e historias y trata de abrir los nuevos hilos que serÔn centrales en las próximas dos entregas. No es mala, pero se sigue sintiendo como una película de transición y, para ser una tercera parte, eso va en detrimento de su arco narrativo.

Los secretos de Dumbledore no sólo son los de Albus, es lo que engloba a toda su familia. EstĆ” llena de conflictos familiares, amorosos, polĆ­tica y corrupción… tiene de todo. En lo personal a mĆ­ me ha gustado y creo que es la mejor de las tres, porque se ha deshecho de los pesos que la bajaban en su historia y hasta ahora se enfoca en tomar un rumbo fijo.

Luis Toriz

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The northman, Hamlet actualizado

El aƱo 2015 se hablaba de una pelĆ­cula lo bastante terrorĆ­fica que no te dejarĆ­a dormir. ā€œLa brujaā€, comenzó a dar de quĆ© hablar y a dividir opiniones. El naturalismo en contraste con lo oscuro de la historia folclórica anglosajona y lo que veĆ­amos en pantalla se yuxtaponĆ­a con lo bello de la fotografĆ­a de Jarin Blaschke. Paisajes abiertos y tomas amplias en su naturaleza mĆ”s silvestre y planos cerrados cuando se enmarcaba la mĆ”s visceral reacción humana en conjunto con la mĆŗsica de Mark Corven, creaban una atmósfera apremiante, claustrofóbica y psicológicamente terrorĆ­fica.

Cuatro aƱos despuĆ©s ā€œEl faroā€ (2019) era una apuesta arriesgada de cine de gĆ©nero. Robert Eggers volvĆ­a a jugar con las mitologĆ­as oscuras y populares para contar un relato poco usual que llevara al espectador a un lĆ­mite del cual no pudiera regresar en ningĆŗn momento. Su puesta en escena era tan atractiva como perturbadora con ese blanco y negro que nos colocaba precisamente ahĆ­, en la Maine de principios del siglo XX con una pareja de guardias de un faro. Ambos huĆ­an de algo y se vieron traicionados por sus propios miedos y deseos carnales.

El director volvĆ­a a trabajar con su equipo ya conocido de ā€œLa brujaā€. Mark Corven en la mĆŗsica y Jarin Blashcke en la cinematografĆ­a. El trabajo fue arriesgado, sin embargo mantenĆ­a una forma autoral importante, acaparante y absorbente, para muchos daƱina al espectador.

DE LA AUTORALIDAD A LOS GRANDES ESTUDIOS.

No pasaba de terminar el furor de su pelĆ­cula anterior cuando se hablaba ya de su nuevo proyecto: ā€œEl hombre del norteā€.

Su dupla como guionista con Sjón, escritor de ā€œLambā€ (ganador en Cannes, 2021) de Valdimar Johansson y la fotografĆ­a de Jarin Blaschke logran resultados apabullantes. Esta Trinidad director/guionista/ fotógrafo, eran cruciales para lo que Eggers pretendĆ­a contar, la historia de venganza mĆ”s brutal.

Una actualización de la historia de Hamlet por ratos libre y por otros apegada, pero Eggers se decanta por la venganza mÔs silvestre, visceral; desalmada para la sublimación de los miedos y las traiciones por medio también de los rituales paganos vikingos para no dejar de lado su sello y pasión por las creencias espirituales de los personajes que trata de plasmar.

Amleth (Alexander SkarsgÄrd) queda huérfano de padre cuando su propio tío lo asesina. Perseguido y con el duelo en el corazón, huye y jura vengarse de aquellos que le arrebataron a su familia, su derecho al trono y su dignidad como hijo.

Si algo me daba miedo de esta pelĆ­cula era que, de alguna manera representaba un cambio interesante para Robert Eggers. En tamaƱo de producción, reparto, ingreso, expectativas… todo de pronto se volvió mĆ”s grandilocuente para un realizador que hasta hace poco aĆŗn era independiente.

LA VISIƓN DEL AUTOR

Muchas veces pasa que al dar este salto de la independencia creativa a los grandes presupuestos de las productoras mÔs imponentes, en este caso: Universal Pictures; los realizadores pierden demasiado de su esencia con tal de tener una mayor visibilidad y así conseguir aún mÔs credibilidad en cuanto a su visión, proyectos y estilo.

Esta disolución autoral que muchos sufren me quedó claro con un director como Yorgos Lanthimos con ā€œLa favoritaā€ (2018); donde vemos una visión manipulada, contenida y atenida al gran estudio, que fue Fox Searchlight. Aunque no deja de tener su visión, con el hecho de que pueda ser vista por las masas y por supuesto, tomada en cuenta por la temporada de premios, tenemos una historia flĆ”cida, caricaturizada, pero tambiĆ©n una visión de estilo minimizado.

Lo que no le pasa a Robert en ā€œThe northmanā€. En ningĆŗn momento vi comprometida su forma y fondo. El realizador con este tercer largometraje logra una poderosa grandilocuencia visual para contar una historia trĆ”gica de venganza que para nada es una historia feliz. Combina el folclore islandĆ©s nórdico con la obra shakespiriana Hamlet. Esta fusión la hace, obviamente bien llevada a cabo, uno de los trabajos mĆ”s imponentes e importante de Eggers. Pareciera que el director logró combinar su visión con los objetivos taquilleros del estudio para no perder su firma autoral como director y lograr atraer a las masas.

ā€œThe northmanā€ tiene las mĆ”s bestiales batallas, paisajes nórdicos que te dejan con la boca abierta y una mĆŗsica, donde trabaja con dos compositores nuevos (SebastiĆ”n Gainsborough/The handmaid) y (Robin Carolan), que ambos por momentos logran aumentar lo Ć©pico de las imĆ”genes y las actuaciones a niveles bestiales con tambores, cuerdas y pianos en sus notas mĆ”s guturales, que, como sabemos; la venganza viene desde lo mĆ”s adentro de las entraƱas. La mĆŗsica se siente como un clamor por exorcizar los demonios que reclaman la sangre y lo que no pudo ser por un robo de familia, identidad y posición.

ā€œThe northmanā€ logra lo que con muy pocos realizadores he visto. Hacer respetar su visión y forma autoral ante los grandes estudios, al mismo tiempo de complacerlos. Aunque el mismo realizador ha dicho que sĆ­, su visión de la historia fue ligeramente cambiada para fines comerciales, defendió siempre la esencia de lo que sus dos filmes anteriores representaban: el sello de un autor de cine Art house horror que ha sabido mezclar el terror y el arte con el fin de llevarlo al cine mĆ”s comercial posible, pero sin traicionarse a sĆ­ mismo, pero tampoco morir en el intento.

Por Luis Toriz
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Litigante, el dolor de la pĆ©rdida anunciada

Cómo dice el poeta Mario Benedetti:

ā€œHay partidas, adioses de los que no volvieron ni volverĆ”n. Aun en las mejores y conquistadas alegrĆ­as, sobreviene de pronto un vacĆ­o y nos quedamos taciturnos, solos, tiernamente desoladosā€

La ausencia es como un fantasma que duele. Es algo que aĆŗn se siente pero que ya no estĆ”, lo cercenaron de nosotros, pasiva o agresivamente, sin embargo, la falta de eso que tuviste y ya no, duele.

Litigante es un film de Franco Lolli que personalmente me ha dolido demasiado. Los temas que aborda son difíciles y complicados de llevar con éxito en una película, no obstante el director se luce con una naturalidad al contar la relación entre una madre y su hija cuando una de ellas estÔ a punto de morir de un cÔncer terminal.

Franco Lolli lleva a cabo una puesta en escena sobriamente montada, pero también sombríamente desarrollada. Se nota a leguas que el director ha querido plasmar una pesadumbre familiar e íntima que colocara al espectador en una posición vulnerable en cuanto al duelo y la pérdida anunciada de alguien.

No quiero que se mal entienda esto, la pelĆ­cula es extraordinaria, contiene una naturalidad en sus temas lo suficientemente efectiva como para creer que la dinĆ”mica que ves ahĆ­ es real. Lolli ha decidido, con su puesta en escena, no dar tregua a los personajes y tampoco a quien los ve. Muchos se verĆ”n identificados en las dinĆ”micas familiares que ahĆ­ se ven, en la peleas, los desacuerdos, pero tambiĆ©n las expectativas que los padres tienen sobre los hijos, esas que se cumplieron y que no se dicen, al mismo tiempo que las que no se alcanzaron y se gritan en el patio trasero… todo eso se ve y su realizador lo hace con una naturalidad apabullante.

”Brutal!

Litigante formó parte de La semana de la Crítica en el Festival de Cannes en 2019 y ya se estreno en nuestro país.

SINOPSIS

Silvia, madre soltera y abogada, estÔ al borde de una crisis nerviosa. Debe dividir su tiempo entre cuidar a su hijo pequeño, acompañar a su madre enferma y defenderse de una acusación por corrupción. Justo en ese momento, cuando menos se lo espera, el amor llama a su puerta por primera vez en años

Luis toriz

Por Luis Toriz
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Paletas en la boca… cómo hemos normalizado conductas ilĆ­citas

Pocos podrĆ­amos pensar que una de las obras mĆ”s pulcramente escritas de la literatura como lo es ā€œLolitaā€ de Nabokov estarĆ­a inspirada en una tragedia de una adolescente de 12 aƱos que fue secuestrada mĆ”s de dos aƱos por Frank La Salle, un ex convicto por pederastia que salió libre bajo libertad condicional en 1948.

Vladimir Nabokov no oculta que su historia de ā€œLolitaā€ se encuentre basada en una historia oscura como es la de Sally Horner que, lejos de gozar de la admiración y adoración de un hombre, sufrió violaciones y privaciones de la libertad siendo una menor de edad.

La historia de Nabokov es uno los libros mÔs leídos, recomendados y también ha sido adaptado, nadie niega la calidad de pluma que significaba el escritor, ni ayer ni ahora. Lo que sí se pone en tela juicio, a la luz de los años, es su consciente romantización de abuso sexual infantil.

Aunque sus dos adaptaciones cinematogrÔficas edulcoran las situaciones de violación y abuso bajo un filtro de coqueteo y romance juvenil, el tema es evidente, pero también poco se habla de la normalización que la hipersexualidad infantil ha tenido en ciertas producciones cinematogrÔficas.

Stanley Kubrick realizó una excelente adaptación de Humbert por medio de Jeremy Irons, quién interpreta a un hombre de 52 años que se encuentra enamorado de su hijastra. Sin embargo, sí analizamos, y no a mucha profundidad, la ligereza con la que el abuso es abordado es incluso hasta ofensivo por su diabólica omisión, si tomamos como base el crimen sobre el que estÔ basado. En ambas producciones se culpa a la joven adolescente de provocativa y sensual en relación al siempre inocente Humbert que arde en silencioso deseo por la joven que no cesa de provocarlo.

Desde los posters se coloca a una joven con un caramelo en la boca (con evidentes insinuaciones sexuales), unos lentes oscuros a media mirada, la cual se puede interpretar como provocativa en el contexto de la historia. Cabe mencionar que la historia siempre es contada a través de los ojos de su protagonista hombre, nunca se enfoca en la perspectiva de la joven, simplemente vemos lo que Humbert quiere ver, su utópico romanticismo con una adolescente a la cual le triplica la edad.

Ahora bien, si estĆ” historia les parece pasada de moda, hay una mĆ”s reciente que muchos alabaron por contar con una cinematografĆ­a impecable. No es nuevo que para contar una historia que romantiza el abuso infantil tenga caracterĆ­sticas visuales y artĆ­sticas de muy buen gusto. ā€œCall me by your nameā€ de Luca Guadagnino (2017) basada en la obra literaria de AndrĆ© Aciman es una historia que incluso ganó el Ɠscar como mejor adaptación, lo cual habla de una minuciosa pulcritud en su versión cinematogrĆ”fica.

La calidad de ambas producciones no se pone en entredicho, lo que sƭ se cuestiona es la calidad moral de sus historias. No estoy diciendo que de no existir estas pelƭculas se eliminarƭa la pedofilia de la faz de la tierra, estamos lejos de eso, sin embargo, sƭ resultan ser apologƩticas en su tesis en una perspectiva que exalta y edulcora al pedofilo.

La misma sociedad hollywoodense que ha cancelado a grandes directores como Woody Allen por abuso sexual, exaltan trabajos literarios y cinematogrĆ”ficos que acarician el delito en la subtextualidad con temas sexuales ilĆ­citos entre hombres evidentemente mĆ”s maduros que sus ā€œenamoradosā€, ocultando siempre la edad dentro de las historias o dejĆ”ndolas ver como irrelevantes o sin importancia, en comparación con el relato amoroso e ideal que viven ambos personajes.

Ahora, no lo veamos desde el punto de vista de una sociedad norteamericana en decadencia, veƔmoslo a travƩs de los ojos de un vƭctima de abuso sexual infantil, tambiƩn vƭctimas del mismo consumismo mediƔtico.

ā€œLeaving neverlandā€, un documental de Dan Reed que basa su tratamiento con base de entrevistas a Wade Robson y James Safechuck.

Ambos actores, en ese momento infantiles, relatan de forma muy puntual y descriptiva los abusos sexuales que Michael Jackson cometƭa contra ellos. Ambos han reconocido que no entendƭan lo que pasaba en ese momento, simplemente se vieron abrumados por la cantidad de lujos que ellos y sus familias recibƭan a cambio de que, cada noche, separados de sus padres por alas completas de la residencia, pasarƔn la noche con Michael Jackson.

A la luz del tiempo, estas dos víctimas cuentan que en ese preciso momento el abuso para ellos no existía, simplemente estaban enamorados de Michael. De este modo, no podemos re victimizar a las víctimas culpÔndolos de omisión del delito y como cómplices de su propio abuso. El abusado no estÔ consciente del daño que estÔ sufriendo, pero el abusador sí.

Wade y James cuentan en lÔgrimas la decepción amorosa cuando vieron que fueron cambiados por otro niño (Maculay Kulkin) con el que Michael aparecía en público en las alfombras rojas donde era invitado. Ahí fue cuando se dieron cuenta que sufrían por el rechazo que sistemÔticamente perpetraban los medios por medio de noticias de un secreto a voces del abuso que Jackson cometía a todas luces, pero al que todos desviaban la mirada.

La apologƭa del delito tambiƩn es un delito penado en la ley. Probablemente en muchos paƭses por su cultura se les permita el contacto sexual con menores de edad aunque sea despuƩs del matrimonio y en esos casos pueda ser discutible al ser aprobado de manera social y familiar, pero tambiƩn con la plena conciencia de los implicados, en este caso los menores de edad.

Los tiempos actuales se acercan, ayudados por grandes movimientos en redes sociales como #MeToo, a tomar cada vez mÔs conciencia acerca del abuso sexual normalizado que la sociedad a permitido se infiltre como un modo de acceso a la fama o a la expresión de los talentos. De este modo también ahora enfrentamos otro problema del que después escribiremos: La doble moral en una industria que basa su sistema en el abuso omitido y en la silenciación de sus víctimas.

LUIS TORIZ

Por: Luis Toriz
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Ambulancia, un viaje Ć”cido de Michael Bay

Apenas vamos en marzo del 2022 y ya vi dos pelƭculas de lo mƔs locas y disparatadas en el cine. Moonfall de Roland Emmerich es pƩsima por donde le veas, si acaso la salvan los efectos especiales y que conoces de lo que es capaz el director cuando hablar de destruir el mundo se trata.

Otra es Ambulancia de Michael Bay… Ā”que locura con este director!

Danny (Jake Gyllenhall) y Will (Yahya Abdul-Mateen II) son dos hermanos que nacieron y vivieron en el crimen organizado de la ciudad de Los Ángeles. MÔs tarde sus caminos de separaron por cuestiones de principios y moral. Will se convirtió en soldado y fue a pelear la guerra en AfganistÔn y Danny se dedicó siempre a robar bancos. Hasta que Will se ve empujado a regresar a cometer un último crimen para conseguir 230 mil dlls para combatir el cÔncer de su hijo.

Lo que se suponĆ­a serĆ­a un atraco sencillo se complica solamente por una declaración de amor. No serĆ© agente de spoilers pero sí… no me reclamen a mĆ­, es una pelĆ­cula de Michael Bay.

Lo que sí puedo decir es que esta película es para apagar el cerebro y disfrutarla por lo que es: frenética, loca, incoherente y llena de acción. Dos horas con Bay en una sala de cine parece que viviste un año de frenética acción y que saliste ileso; ves tantas cosas, con miles de puntos de vista y posiciones de cÔmara que abruma.

Si hay algo que siempre me ha gustado de este director es que su lente no tiene lĆ­mite. No hay cielo, techo, pared o piso que detenga sus planos. Sus picadas y contrapicados; sus planos dentro de los planos y que decir de los abiertos… es una clase de lenguaje cinematogrĆ”fico, sin embargo todo sirve para dar forma a la acción, no para contar una historia de forma coherente.

Cuando un director hace una toma en contrapicado da una nota de sentimiento dependiendo de los colores que coloca en su decoración en complemento con la música y todo el conjunto. Pero con Bay esta regla se anula, no existe. El director es tan estrambótico en sus intenciones que todo pasa rÔpido y pasa todo, pero no ves nada.

Sé que suena loco pero, lo vimos con Transformers mil y un veces. Sus películas estÔn atiborradas de efectos, coches, sonidos, rechinados y chispas, aún en un coche detenido, sale fuego, ¿de donde? Solo Michael lo sabe.

Lo que pongo a su favor es que tiene un gran cast: Jake, Abdul y Eiza GonzƔlez. No le pongo pero a ninguno de los tres y me pongo de pie porque protagonizar una pelƭcula de Michael Bay debe ser la locura. Es un director que requiere mucho de sus actores, tanto fƭsica como mentalmente y por un churro de pelƭcula, donde pasa todo y nada al mismo tiempo.

Ambulancia es una película simple, sin mayores complicaciones, para pasar un buen rato gritando de emoción y estando preocupado por el futuro de los protagonistas. ”Es lo que es!

Luis Toriz

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Fresh, Āæuna apologĆ­a a la violencia?

Estamos en tiempos violentos, pero no solo eso, también en épocas donde la mÔs mínima apología a conductas que insinúen algún tipo de violencia es condenada pública y también, no todas las veces, legalmente.

Fresh de Mimi Cave y bajo la producción de Adam McAy, es no solo un reflejo de los tiempos violentos que ahora vivimos en contra de las mujeres, sino también de lo banal que resulta ser cuando lo ves plasmado en la pantalla grande. Es distinto cuando una película denuncia un defecto social como el callar un delito que es un secreto a voces, ya sea de un funcionario público, de una persona influyente o cualquiera que esté en una posición de poder.

Esta pelƭcula protagonizada por Sebastian Stan como Steve, un mƩdico cirujano que se dedica a secuestrar mujeres para satisfacer a un grupo selecto de hombres de poder que gustan de comer carne humana, pero especƭficamente de mujeres.

La sensación que deja esta película la comparo mucho con la misma que me dejó Hostal de Eli Roth cuando la vi. Un hastío por la sociedad en combinación con miedo al ser mÔs común que se pueda acercar a preguntarte la hora. Porque una situación de trata de personas con el fin de trÔfico de órganos, de prostitución o cualquier otra actividad ilícita, no solo puede pasarle a mujeres, también a hombres y México es un país protagonista en este tipo de casos.

Aunque la historia tiene mucho cuidado y por un solo detalle del guion al final, su tesis no resulta apologética hacia la violencia que acusa y retrata tan escatológicamente, es sumamente insinuante e insidiosa. Creo que el que esté dirigida por una mujer salva que sea una exaltación al odio hacia las mujeres para convertirla en una denuncia en forma de una película de terror.

Resulta ser una lĆ­nea muy delgada en la forma en la que se dice algo cae en el defecto propio que se denuncia. Fresh es lo demasiado inteligente para que no parezca precisamente eso y, ni modo, lo aplaudo. La pelĆ­cula estĆ” tan bien hecha y escrita que da miedo, precisamente porque es tan cercano, pero tambiĆ©n fĆ”cil caer con gente enferma mentalmente en redes sociales, aplicaciones de citas o con esta mentalidad de: ā€œsolo una nocheā€, pues puede que sea la Ćŗltima.

Fresh es terrorƭfica a grados viscerales e inteligente de forma estratƩgica y violenta. De verdad que es una genialidad por donde se le quiera ver.

Luis Toriz

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La peor persona del mundo, Joachim Trier regresa a lo bĆ”sico.

Conocí el trabajo Joachim Trier por Reprise, una ópera prima interesante que tuvo una proyección en ese entonces durante la muestra de la Cineteca Nacional.

La historia me impresionó porque obviamente la narrativa era diametralmente distinta a lo que se acostumbra ver. Su estilo era desde entonces contar dos historias: Dos amigos escritores que, después de escribir un manuscrito cada uno, lo entregan a la misma editorial, el mismo día. Uno de estos es publicado y el otro no.

Joachim Trier que también es el guionista, coloca a sus dos protagonistas en una coyuntura moral y llena su forma con canciones que para ese momento de la historia encajan perfectamente bien. El director sabía cómo lograr un cierto humor en el espectador por medio de un delineado de los personajes, no solo minucioso, sino también desenfadado. Esta característica es exaltada con la selección musical.

Joachim Trier ya trazaba desde entonces personajes errĆ”ticos, mĆ”s aĆŗn a su protagonista. El actor Anders Danielsen Lie, que tambiĆ©n aparece en ā€œLa peor persona del mundoā€, interpretaba a Phillip, el joven autor publicado que cambia totalmente su vida gracias a que se vuelve famoso y deja atrĆ”s todo lo que lo definĆ­a tanto personal como profesionalmente.

DespuƩs de explorar otro tipo de historias y tambiƩn incursionar en el gƩnero del terror sobrenatural, Joachim vuelve a un inicio, donde sus personajes son probados moralmente y errƔticos en todas sus formas. TambiƩn recurre de nueva cuenta a una voz como narrador que nos va contando en tercera persona todo lo que pasa con el protagonista, como si de un cuento se tratara.

La peor persona del mundo estÔ dividida en en doce capítulos, un prólogo y un epílogo, por los cuales vemos la evolución de Julie, una mujer joven que no sabe lo que quiere. Un día quiere ser doctora, al otro psicóloga para después decidirse por la fotografía; esta indecisión la lleva al terreno de los sentimientos.

Aunque sí la historia amorosa es importante, es aún mÔs relevante el ejercicio introspectivo que Julie tiene durante toda su historia contada por el narrador. Lo interesante es cómo esta joven es consciente de su notable inmadurez y de la afectación que va causando a la personas que se van involucrando con ella.

Joachim Trier vuelve a lo bƔsico de su cine: contar historias con coyunturas morales que ponen a su personaje en serios problemas por medio de un soundtrack llamativo y ligado por capƭtulos. TambiƩn este estilo rememora un poco al cine de su tƭo Lars von Trier, quien tambiƩn regularmente divide sus pelƭculas en segmentos para llevar a un epƭlogo que aunque es el fin de la pelƭcula, indica que no lo es tanto de su protagonista.

El discurso que Joachim Trier tiene con su espectador con esta pelƭcula es reconociblemente peculiar para quien lo hemos seguido de cerca, para los que apenas lo descubrirƔn verƔn en Ʃl a realizador bastante maduro que ha sabido perfeccionar su tƩcnica y narrativa inicial en favor de un estilo que al final de cuentas pertenece a un autor de lo personal e ƭntimo.

ESTRENO 17 MARZO 2022
Luis Toriz

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Los tipos malos, que te roban el aburrimiento…

Regularmente y personalmente no veo películas de animación. No es nada en contra de este tipo de películas, sin embargo, hay algunas excepciones en las cuales me salto esta regla para ver algo que me pueda divertir o aportar algo.

Casi nadie le puede hacer frente a la casa de animación de Disney. Con temas emotivos la casa productora siempre logra conmover a las audiencias con sus personajes que muchas veces funcionan como fÔbulas de la vida real, siempre proporcionando una enseñanza de vida.

Pero tambiƩn existen las producciones que rompen este esquema y traen una trama totalmente distinta a lo que usualmente se puede ver en el cine.

Los tipos malos es acerca de Mr. Wolf (Sr.Lobo) y su banda de ladrones de bancos experimentados. Son como hermanos y han robado los motines mƔs deseados de la ciudad e incluso han alcanzado una fama inusitada por su estilo y sagacidad. Su experiencia se pondrƔ a prueba cuando la concejal de la ciudad, Diane, les pondrƔ una trampa que los harƔ cambiar de rumbo.

Por supuesto que siempre se disfruta una historia con buenos giros y personajes que son divertidos. Los tipos malos tiene todo lo necesario para comenzar una nueva franquicia de animación con un estilo totalmente distinto. Sí es para niños, sin embargo tiene ese tipo de historia que logra algunos adultos ni siquiera parpadeen.

La animación tiene un estilo peculiar. No es como siempre la vemos o la disfrutamos, no es tampoco estilo Pixar. Este estilo viene desde origen gracias a su creador Aaron Blabey, ilustrador australiano que ha creado una serie de novelas grÔficas de 5 villanos que lo único que quieren es ser famosos y lo han logrado por medio de ser los ladrones mÔs ingeniosos de la ciudad.

Las novelas estƔn repartidas en distintas aventuras o misiones en las cuales estos personajes entretienen a un lector novato como a uno mƔs experimentado.

El trabajo grÔfico de Aarón Bradley es traído a guión gracias al talentoso Etan Cohen (Fargo). Director y guionista que ha decidió adaptar las historias de esta banda de villanos a un lenguaje cinematogrÔfico de animación que pueda entretener a toda la familia; por supuesto que el trabajo de adaptación es magnífico. Etan Cohen ha sabido captar perfectamente el espíritu de aventura original de estos personajes en combinación con historias de amistad y lealtad que el público infantil, en unidad con sus padres puedan disfrutar.

Los tipos malos parece ser la siguiente saga de animación que podremos ver en cines y les aseguro que les robarÔn muchas carcajadas y buenos momentos familiares en la sala de cine.

«Nadie ha fallado tanto en intentar ser bueno como Los Ttipos malos»

Luis Toriz

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Luz negra, otra pelĆ­cula con Liam Neeson

Hay películas de acción, comedia, drama, ciencia ficción, terror, extraterrestres y en un lugar muy aparte estÔn las películas con Liam Neeson. Parece ser que el actor se ha vuelto todo un subgénero que habita en el gusto de un público que le encanta ver a este actor en acción, que ya ni siquiera importa si esa película es buena o no, simplemente actúa Neeson y van a verla.

Si bien es cierto el actor es muy bueno con las escenas de acción, de pelea y persecución, no lo es tanto con las de misterio.

Travis Block (Liam Neeson) es un ex militar de Vietnam retirado que trabaja de manera extraoficial con Gabriel Robinson (Aidan Quinn), director del FBI que tambiĆ©n fue un compaƱero de guerra en su juventud. Travis es un patriota y protector de la ley y se dedica a salvar agentes en peligro y no se da cuenta de las operaciones secretas que su jefe y mejor amigo ha hecho sin que Ć©l siquiera sospeche que bajo su guardia este ha cometido innumerables asesinatos a civiles que ā€œamenazanā€ La Paz y seguridad del paĆ­s.

Luz negra es un thriller de acción que comienza bien. Un asesinato sin resolver de una civil que toma relevancia política toma la atención del espectador porque es una mezcla entre teorías conspirativas y también tópicos políticos de gran escala. Sin embargo, este tema en lugar de desarrollarlo, lo deja de lado para abordar una acción y balacera sin razón, que nada tiene que ver con el tema que , en primera instancia, ya te había enganchado. Ahora bien, pensarÔs: habrÔ de aquí en adelante excelentes escenas de acción, pero tampoco.

También hay otro tema que pudo haber sido interesante acerca de una periodista que sí estÔ haciendo su trabajo de investigación acerca de los asesinatos sistemÔticos del FBI a civiles. Esto va tomando auge y es cortado por otra escena de acción absurda mala hecha que, sí bien no aporta nada, tampoco entretiene. Esta periodista es un personaje bastante coyuntural al ser el hilo que desata el nudo por su investigación de fondo, pero tampoco su desarrollo es afortunado.

En el trabajo de investigación, el sujeto o el objeto se vuelve una obsesión a grados casi enfermizos. Se busca, se lee y se encuentra. Pero esta chica periodista, que trabaja bajo un seudónimo, toda la información la obtiene de una mujer que investiga todo por ella… ĀæquiĆ©n es? No lo sabemos, la pelĆ­cula tampoco se encarga de desarrollar a ese personaje que tambiĆ©n pudo haber sido interesante.

AsĆ­ Luz negra va perdiendo oportunidades de haber sido una excelente pelĆ­cula de misterio y acción como ā€œLa intĆ©rpreteā€ de Sidney Pollack o ā€œPrimer planaā€ de Tom McArthy, donde la labor periodĆ­stica se toma de manera seria y se representa de igual forma. Hay una responsabilidad social implĆ­cita, pero tambiĆ©n se nota que el guionista tiene respeto por el trabajo de la investigación de campo y el periodismo. ā€œLuz negraā€ tambiĆ©n pierde el camino en ese sentido, se desvĆ­a hacia la ruta de la balacear mal hecha, que solo busca hacer lucir a Liam Neeson y tampoco lo logra bien.

Aunque la película es entretenida, no logra los registros de acción, ni de suspenso pero tampoco de drama. No ahonda en nada, no desarrolla ningún personaje y abandona oportunidades de oro que la podrían haber hecho una gran película de su género, pero termina siendo una película mÔs con Liam Neeson.

Por Luis Toriz
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Belfast, no es ĀæDónde estĆ”s?, sino ĀæDe dónde eres?…

Muchas veces no importa que cuentas sino cómo lo cuentas. Kenneth Branagh es un director muy clÔsico en su puesta en escena, pero también en sus relatos. Lo pudimos ver en Hamlet (1996) o bien en Frankenstein (1994) basada en la obra Mary Shelley. Lo interesante de este actor y director es que le gusta teatro clÔsico shakespiriano, pero siempre intenta, casi siempre con éxito, dialogar con una teatralidad en su forma de abordar la dirección de arte, las actuaciones y la puesta en escena.

Belfast es una pelĆ­cula que ocupa un estilo que ya hemos visto en mil pelĆ­culas como ā€œLa lista de Schindlerā€ (1993) de Steven Spielberg, ā€œRomaā€ (2018) de Alfonso Cuarón, ā€œCold Warā€ (2018) de Pawel Pawlikowski… en todas el tono monocromĆ”tico tiene una intención bastante clara ya sea que aporte a la narrativa, a la historia o bien, que sea mĆ”s una caracterĆ­stica rigurosamente estĆ©tica.

Es totalmente vÔlido que el recurso del blanco y negro pueda funcionar en muchas direcciones y motivaciones del director. En este caso Kenneth Branagh, como ya estÔ siendo común en este tipo de relatos, relata su infancia dentro de la ciudad en la que creció por medio Buddy, un niño inteligente que juega venciendo dragones en la calle y es el recipiente ficcionado de la niñez de Branagh. Con una pareja de padres con problemas económicos y un padre (Jamie Dornan) que viajaba por trabajo a Londres, hasta que comienza un conflicto social entre protestantes y católicos que ocasiona que los padres valoren el pensar mudarse a Inglaterra, pero esto implica no solo dejar su ciudad de origen, sino dejar a sus abuelos, sus amigos y la niña por la que siente algo especial.

El relato es totalmente emotivo, nostÔlgico y pone en contexto una infancia enmarcada por una convulsión social caótica que comenzó en 1968 y se calmó hasta 1998. Este conflicto norirlandés comprometía a las dos religiones predominantes en Irlanda del norte; este conflicto se volvió un problema étnico que alcanzó incluso temas políticos importantes al volverse un tema de violencia a grados preocupantes.

De este modo Belfast discursa mucho y comparte épocas, en distintas Ôreas geogrÔficas, pero convulsas socialmente por igual, con Roma y Cold War. Esta trilogía, sin saberlo enmarcan tiempos violentos con los que comparten cuadro, pareciera que Cuarón, Pawlikowski y Branagh acordaron realizar un mosaico de las décadas mÔs problemÔticas y revolucionarias de la historia del mundo. Separados obviamente de forma geopolítica pero que conversan entre ellas en una línea de tiempo bastante interesante.

Por esta razón el filme de Kenneth Branagh aunque no ofrece algo distinto a otras historias, contiene un valor sentimental y nostÔlgico como las otras dos. Pudiéramos decir que son películas hermanas que nacieron en distintos países, pero que también representan las infancias de sus directores, tomando, las tres, la forma de un diario que retrata un tiempo histórico social y político en común, pero también el mismo universo de emociones, perdidas y ausencias.

Una de las grandes competidoras dentro del Oscar… una joya cinematogrĆ”fica imperdible.

Luis Toriz

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