Mi amigo Robot (Robot Dreams)

«Una obra que celebra la amistad en su forma mÔs pura y sincera»

Robot Dreams (2023) dir. Pablo Berger

En el panorama actual del cine, es raro encontrar una obra que se atreva a romper con la narrativa convencional y, al mismo tiempo, logre capturar la esencia de las emociones humanas de una manera tan pura y sincera. «Mi amigo Robot», la última película del director español Pablo Berger, creada a partir de la novela grÔfica homónima de Sara Varón, hace precisamente eso. Esta cinta animada, nominada al Oscar a Mejor Película Animada en 2024, es una carta de amor a la amistad, contada a través de la relación entre un perro solitario y su compañero robótico en la Nueva York de los años 80.

ā€œMi amigo Robotā€ nos sumerge en la vida de Dog, cuya existencia en el bullicioso Manhattan se ve teƱida por la soledad de los rascacielos que lo rodean. En su pequeƱo apartamento, entre juguetes mordisqueados y fotos de dĆ­as mĆ”s felices, Dog toma la decisión que cambiarĆ” su vida: adquirir un robot, no cualquier mĆ”quina, sino una diseƱada para ser el amigo perfecto. Lo que comienza como una amistad programada, pronto se transforma en un vĆ­nculo inquebrantable. A travĆ©s de una serie de aventuras y desventuras, Ā«Mi amigo RobotĀ» explora la profundidad y complejidad de las relaciones, sin necesidad de una sola lĆ­nea de diĆ”logo.

Robot Dreams (2023) dir. Pablo Berger

Pablo Berger, con su visión artística inigualable, ha creado una obra que es visualmente deslumbrante y narrativamente audaz. La audacia narrativa que se manifiesta en su valiente elección de eliminar los diÔlogos, confiando en la rica paleta de la animación 2D para tejer una historia que habla directamente al alma, comunicando emociones complejas a través de la expresión pura de sus personajes. La ambientación en el East Village de Nueva York de los 80“s no solo sirve como telón de fondo, sino que también juega un papel crucial en la narrativa, sumergiendo al espectador en una época de gran efervescencia cultural.

ā€œMi amigo Robotā€ no es solo una pelĆ­cula; es un espejo que refleja las complejidades del alma humana. Una reflexión sobre la amistad, la pĆ©rdida y la soledad. La pelĆ­cula despliega ante nosotros un tapiz de experiencias, mostrando que la amistad es un camino dinĆ”mico, repleto de momentos de alegrĆ­a y tristeza, de triunfos y fracasos. La historia de Dog y su amigo robótico es un testimonio de que la amistad trasciende las barreras de la existencia orgĆ”nica y mecĆ”nica, convirtiĆ©ndose en un faro de esperanza y comprensión mutua. Nos muestra que la amistad no es algo estĆ”tico, sino un viaje lleno de altibajos, donde lo importante no es la perfección, sino la voluntad de seguir intentĆ”ndolo.

Robot Dreams (2023) dir. Pablo Berger

ā€œMi amigo Robotā€ no es solo para aquellos que se deleitan en el arte del cine; es para todos los que, en algĆŗn momento, han valorado un lazo de amistad verdadero. Es una invitación a reflexionar sobre nuestras propias relaciones y a apreciar la belleza en las conexiones que forjamos. En resumen, ā€œMi amigo Robotā€ es una obra que celebra la amistad en su forma mĆ”s pura y sincera, y que seguramente inspirarĆ” a los espectadores a abrazar y valorar esos lazos en su vida cotidiana.

La imperdible pelĆ­cula ā€œMi amigo Robotā€ llegarĆ” a las salas de cine en MĆ©xico este jueves 7 de marzo de 2024, Ā”Corran a verla!, Ā”No se la pueden perder!

Por: Cristian G. Ɓlvarez H., IG: @redrockernyc

Dedicatoria

Agradezco ampliamente esta enorme oportunidad que me brindo mi amigo Elk Gilbon, mil gracias, amigo, por darle esta oportunidad a un aficionado y amante del cine.

Y por supuesto a mi concubina Tanya, gracias por siempre apoyarme en TODO.

La Gran Libertad

Las historias de amor son complicadas, pero cuando son frustradas por situaciones mĆ”s ajenas de su control, se vuelven mĆ”s complejas. ā€œLa Gran Libertadā€ entiende perfectamente eso y hace un retrato Ć­ntimo de una realidad.

En la Alemania de posguerra, la liberación por parte de los Aliados no significaba libertad para todos. Hans Hoffmann (Franz Rogowski) es encarcelado una y otra vez bajo el pÔrrafo 175, una ley que penaliza la homosexualidad. A lo largo de décadas, desarrolla un vínculo improbable pero tierno con su compañero de celda Viktor (Georg Friedrich), un asesino convicto.


Basada en hechos reales, el director Sebastian Meise regresa de otra intermitencia y evidencía que sus pausas no afectan en nada a su conocimiento y calidad cinematogrÔfica. Sumerge su historia en un ambiente horrible y monótono de una prisión, pero lo llena de pequeños gestos tiernos que son duramente castigados para Hans Hoffman. Una historia de contrastes y negaciones que muestra varias posturas y nos guía hacía una libertad inminente, pero que pone en duda la verdadera libertad interna. Un ejercicio ejecutado de la mejor manera y que demuestra problemas que se siguen viviendo en la actualidad.

La licencia poética de Sebastian Meise, y encanto que tiene este filme, es su juego narrativo detonado en el confinamiento solitario, dónde este lugar funge como una mÔquina del tiempo narrativa para relatar con un mayor peso dramÔtico las situaciones de estos presos a través del tiempo.

Este drama de la posguerra depende de sus entornos y actores, quienes hacen un trabajo espectacular como Anton Von Lucke, Thomas Prenn y Georg Friedrich, sin embargo el reflector completo recae en Franz Rogowski quien consigue un tono perfecto en su protagonismo lleno de momentos felices y frustrados.

ā€œLa Gran Libertadā€ es un gran ejemplo de una historia memorable en su sencillez, ademĆ”s de llevar el estandarte del cine LGBT. Una historia verĆ­dica que merece ser escuchada.

Twitter: @MarksCaudillo
Facebook: @Marks Caudillo

https://www.facebook.com/oculuscine

ReseƱa: El Hoyo en la Cerca

CrĆ­tica, realidad y desigualdad son los temas que JoaquĆ­n del Paso pretende mostrar en esta cinta, sin embargo, otros temas se manifiestan de maneras agresivas en este largometraje hipnotizante.

En un campamento espiritual organizado por una escuela privada religiosa de puros varones, ā€œEl Hoyo en la Cercaā€ nos sumerge en una situación de aprendizaje dónde estos jóvenes adolescentes presencian la realidad de MĆ©xico de maneras muy ā€œsurrealesā€.

DespuĆ©s de su cinta ā€œMaquinaria Panamericanaā€, JoaquĆ­n del Paso regresa con su segundo largometraje y ahora con una historia de vivencias personales embarrado con un dilema de clases sociales. Sin embargo, los discursos que pretende mostrar son ambiguos y carentes de sólidez al ser opacados por el misterio, horror y suspenso que no llega a un verdadero conflicto y que simplemente queda en el imaginario del director. Tomando en cuenta que esta pelĆ­cula no tiene un verdadero protagonista.

Con un estilo art horror, Joaquín del Paso, nos hace partícipes de este campamento que va presentando momentos de tensión que pudieron ser mejor explotados y que nos encarrilan a una crítica social caótica poco elaborada, aprovechando del impacto visual pero carente de narrativa.

Un reconocimiento indiscutible, es su logro como producción al trabajar con mÔs de 30 niños preadolescentes por mÔs de un mes para realizar esta cinta y alcanzando actuaciones naturales y creíbles de personas de estos círculos y desenvolvimientos.

Así como el desempeño de producción, el trabajo de Alfonso Herrera Salcedo como director de Fotografía es crucial para el estilo narrativo de la cinta, creando atmósferas visuales poderosas y un lenguaje poco común en la fotografía de nuestro país.

Los ya famosos compositores Kyle Dixon y Michael Stein (Stranger Things) aportan sus peculiares ritmos sintetizados a esta película creando un ambiente espeso y fantÔstico. Tuve la oportunidad de que Joaquín del Paso me compartiera su desarrollo creativo al trabajar con Dixon y Stein, y la facilidad de crear algo adaptado a nuestra localidad y creando este misterio con jóvenes adolescentes es interesante. Sin embargo, un tanto desaprovechado, ya que su material no es constante en el filme.

ā€œEl Hoyo en la Cercaā€ es una cinta que demuestra muchos valores sobresalientes para la industria mexicana de cine, pero al mismo tiempo el hacer una historia excesivamente personal y con conflictos abordados de manera media, la alejan de una verdadera contundencia.

Por Marks Caudillo

Twitter: @MarksCaudillo
Facebook: @Marks Caudillo

La civil, el terror de ser un ciudadano promedio en MĆ©xico…

El Festival de Cannes dio una ovación de pie de mÔs de ocho minutos a Arcelia Ramírez, actriz mexicana que interpreta a Cielo, una madre a la que le es arrebatada su hija menor de edad por el crimen organizado en la ciudad de Durango.

Con un guion de Habacuc Antonio de Rosario, Teodora Mihai, una directora rumano- belga, logra plasmar al México mÔs agreste de todos. No el de la casa azul de Frida Khalo, tampoco el que tiene una de las maravillas arqueológicas del mundo antiguo y mucho menos el país que tiene una de las gastronomías mÔs ricas del mundo, ese no.

Teodora y Antonio, logran capturar en un solo personaje lo que miles de familias mexicanas en todo el país, unos mÔs que otros, viven gracias al reinado de los cÔrteles de crimen que imperan en muchas zonas. La impunidad, la mediocridad y la burocracia en los procesos legales, sin mencionar los compromisos que el gobierno pacta con el crimen organizado, son llevados a cabo por medio de la ficción en La civil.

El tratamiento dentro del guion de Antonio es inteligente porque aunque hace una severa crĆ­tica dentro de la propia ingobernabilidad mexicana y la ineficiente capacidad de los gobiernos ā€œsoberanosā€ de cada uno de los estados, tambiĆ©n critica, desde una perspectiva mucho mĆ”s comprensiva, al ciudadano promedio. Aunque las acciones de Cielo (Arcelia RamĆ­rez) son resultado de la ineficacia para hacer un cumplimiento de la ley y hacer valer los derechos de los ciudadanos; la doble moral del personaje tambiĆ©n refleja la falta de integridad que todos los civiles podemos tener o tenemos al momento de confrontarnos con esa rara mezcla entre la corrupción, la inseguridad y la impunidad; porque en MĆ©xico, no todos somos santos ni todos corruptos… Somos reaccionarios a un sistema que hemos vivido y sufrido por dĆ©cadas.

Al estar viendo La civil, las imĆ”genes de pelĆ­culas que habitan este mismo universo y que dialogan con la misma realidad venĆ­an a mi mente: ā€œSin seƱas particularesā€ de Fernanda ValadĆ©z con el guion de Astrid Romero, ā€œSanctorumā€ de Joshua Gil y la serie de Netflix ā€œSomosā€. La mayorĆ­a de todo este material es hecho por mujeres, que no es raro, son las que en la prĆ”ctica y no solo en tĆ­tulo, llevan los pantalones en la familias mexicanas. Son las madres desesperadas las que se ponen las armas y salen en busca de una absolución definitiva a un duelo complicado con sus hijos, hijas, padres, hermanos, abuelos, etcĆ©tera.

Este conjunto de películas que entablan un discurso real con el espectador mexicano plasman de manera fehaciente el peligro que representa ser un civil en México. Me refiero incluso a los 153 periodistas muertos en lo que va del 2022,12 de estos han sido mujeres. Sin contar los ciudadanos que desaparecen cada día. Según el periódico «El economista» en un artículo del 2021, cada día desaparecen 23 personas en la administración de Andrés Manuel Lopez Obrador. En total han desaparecido y sin ser encontrados: 22,946 personas (cifras hasta el 30 de agosto del 2021).

Los nĆŗmeros son escalofriantes y superan Incluso a los de los civiles muertos en la invasión rusa a Ucrania, donde recientemente su nĆŗmero mĆ”s alto son 3,541… Ā”en una guerra! Entonces, actualmente Āæen quĆ© estado estamos hoy en dĆ­a en MĆ©xico? Las muertes y desapariciones diarias no se comparan con los de una guerra civil, tampoco con los de una guerra… ĀæQuĆ© pasa en MĆ©xico?

Aunque La civil no responde esta pregunta, le pone una voz mÔs a la situación que México vive en la actualidad con una gran dirección de Teodora Mihai y actuaciones magistrales de Arcelia Ramírez y Álvaro Guerrero.

Teodora Mihai no le da miedo ni tampoco le tiembla la cÔmara para plasmar la violencia silenciosa pero sufrida a voces por los mexicanos. Es interesante como la directora no señala pero sí puntualiza con severidad culpas, no sólo al gobierno, también todos los que habitamos este país. Su forma de manejar la cÔmara pone al espectador en una experiencia inmersiva y al mismo tiempo, lo coloca como un testigo de todo lo que estamos viendo.

Repito, no le da miedo en plasmar una realidad sangrante, pero siempre desde la mirada de la ficción, lo que me parece su mÔs interesante. Aunque se siente cercano, hay un filtro de ficción, lo cual se agradece. ”Es una de las mejores películas que veremos este año!

Estreno en cines el 19 de mayo y es de Cine Canibal.

web: https://cineofata.blogspot.com/
Twitter: @JonathanToriz
Facebook: @CDesclasificandoElCine
Instagram: @elultimovivo

https://www.facebook.com/oculuscine

La peor persona del mundo, Joachim Trier regresa a lo bĆ”sico.

Conocí el trabajo Joachim Trier por Reprise, una ópera prima interesante que tuvo una proyección en ese entonces durante la muestra de la Cineteca Nacional.

La historia me impresionó porque obviamente la narrativa era diametralmente distinta a lo que se acostumbra ver. Su estilo era desde entonces contar dos historias: Dos amigos escritores que, después de escribir un manuscrito cada uno, lo entregan a la misma editorial, el mismo día. Uno de estos es publicado y el otro no.

Joachim Trier que también es el guionista, coloca a sus dos protagonistas en una coyuntura moral y llena su forma con canciones que para ese momento de la historia encajan perfectamente bien. El director sabía cómo lograr un cierto humor en el espectador por medio de un delineado de los personajes, no solo minucioso, sino también desenfadado. Esta característica es exaltada con la selección musical.

Joachim Trier ya trazaba desde entonces personajes errĆ”ticos, mĆ”s aĆŗn a su protagonista. El actor Anders Danielsen Lie, que tambiĆ©n aparece en ā€œLa peor persona del mundoā€, interpretaba a Phillip, el joven autor publicado que cambia totalmente su vida gracias a que se vuelve famoso y deja atrĆ”s todo lo que lo definĆ­a tanto personal como profesionalmente.

DespuƩs de explorar otro tipo de historias y tambiƩn incursionar en el gƩnero del terror sobrenatural, Joachim vuelve a un inicio, donde sus personajes son probados moralmente y errƔticos en todas sus formas. TambiƩn recurre de nueva cuenta a una voz como narrador que nos va contando en tercera persona todo lo que pasa con el protagonista, como si de un cuento se tratara.

La peor persona del mundo estÔ dividida en en doce capítulos, un prólogo y un epílogo, por los cuales vemos la evolución de Julie, una mujer joven que no sabe lo que quiere. Un día quiere ser doctora, al otro psicóloga para después decidirse por la fotografía; esta indecisión la lleva al terreno de los sentimientos.

Aunque sí la historia amorosa es importante, es aún mÔs relevante el ejercicio introspectivo que Julie tiene durante toda su historia contada por el narrador. Lo interesante es cómo esta joven es consciente de su notable inmadurez y de la afectación que va causando a la personas que se van involucrando con ella.

Joachim Trier vuelve a lo bƔsico de su cine: contar historias con coyunturas morales que ponen a su personaje en serios problemas por medio de un soundtrack llamativo y ligado por capƭtulos. TambiƩn este estilo rememora un poco al cine de su tƭo Lars von Trier, quien tambiƩn regularmente divide sus pelƭculas en segmentos para llevar a un epƭlogo que aunque es el fin de la pelƭcula, indica que no lo es tanto de su protagonista.

El discurso que Joachim Trier tiene con su espectador con esta pelƭcula es reconociblemente peculiar para quien lo hemos seguido de cerca, para los que apenas lo descubrirƔn verƔn en Ʃl a realizador bastante maduro que ha sabido perfeccionar su tƩcnica y narrativa inicial en favor de un estilo que al final de cuentas pertenece a un autor de lo personal e ƭntimo.

ESTRENO 17 MARZO 2022
Luis Toriz

Por Luis Toriz
Sitio web: https://cineofata.blogspot.com/
Twitter: @JonathanToriz
Facebook: @CDesclasificandoElCine
Instagram: @elultimovivo

Paul Schrader y la fructĆ­fera mancuerna con Scorsese.

Pareciera que Paul Schrader estarĆ­a citando a Martin Scorsese y viceversa. La verdad es que son espejo y uno solo.

Desde 1976 que Paul Schrader escribió el guion de Taxi driver, la mancuerna sigue trabajando como si fuera el primer día que se conocieron. Lo cierto es que ambos han sabido tomar ventaja de la creatividad del uno y del otro. Sin embargo, hay algunas películas que Schrader ha hecho que nos indican el tipo de cine que le gusta escribir y hacer, pero mÔs que todo, los personajes que le encanta delinear.

Ahora en El contador de cartas, el personaje de Will (Ɠscar Isaac), es una suma de muchos que el guionista y director ha hecho y llevado a la pantalla.

De Travis en Taxi driver tiene un contexto turbulento como personal y político. Ha salido de la cÔrcel y es un veterano de la guerra de Vietnam que tiene poco que ha terminado. El contador de cartas retoma esta característica de ser un ex soldado, pero agrega un pasado aún mÔs oscuro: es un celador en la isla de GuantÔnamo y por consecuencia un ex convicto.

Ahora bien, ambas películas, Taxi driver de 1976 y El contador de cartas en la actualidad, aunque separadas por casi cincuenta años, tienen como marco histórico tensiones políticas y sociales. La guerra de Vietnam en conjunto con la administración corrupta e inmoral de Richard Nixon con el Watergate, funcionan como un antecedente no presente pero invisible, del pasado de Travis. El personaje es un daño colateral de la mala, pero también errónea administración política de ese tiempo. Probablemente Travis (Robert DeNiro) sea un reflejo inherente de una generación de hombres ex militares que, aún buscan su propia redención moral.

Will, como un militar ex convicto, culpable de delitos contra la humanidad al descubrirse los participantes de las cƔrceles de GuantƔnamo, se llena de culpa y, otra vez Paul Schrader, pone al contexto polƭtico como pasado invisible, pero causante de los traumas, de su personaje masculino.

Ahora bien, Paul Schrader dota a sus personajes de una dureza palpable, casi estoica, sin embargo, tambiƩn les da un contexto emocional muchas veces mƔs complicado de lo normal. En First reformed (2017), Toller (Ethan Hawke) es un reverendo que ve en Mary (Amanda Seyfried) una forma de su propio objeto del deseo. Es un personaje que porta una espiritualidad atormentada por sus ideales y deseos de hombre. El reverendo Toller debe de luchar contra Dios, el que vive en su mente, y contra Ʃl mismo.

Will como contador de cartas se encuentra imposibilitado emocionalmente, para amar o necesitar a alguien. En algún punto de la historia este es confrontado por Cirk, un joven que es como él era hace diez años en la isla de GuantÔnamo, lleno de ira, de enojo, pero también de ganas de destacar y hacer algo relevante. Al mismo tiempo que conoce a La Linda, una bella mujer que despierta en él todo el erotismo y deseo que creía perdido al estar, por tanto tiempo, rodeado de hombres.

La supuesta insensibilidad o ausencia emocional de los personajes de Schrader es totalmente justificada ya sea por sus ideales, contexto emocional o familiar o bien, su propios traumas. AĆŗn asĆ­, los rodea de personajes que logran alcanzar esa fibras emocionales, sin que el personaje se traicione a sĆ­ mismo. Esta caracterĆ­stica de Paul Schrader es la que hace que sus personajes masculinos sean tan memorables.

Martin Scorsese sabe perfectamente cómo plasmar esa dureza humana y masculina en pantalla. Taxi Driver y Toro salvaje son muestra de esto. Lo que da como resultado que una mancuerna que nació en el 1976, a travĆ©s del tiempo se ha fortalecido y afianzado, pero tambiĆ©n, se ha beneficiado. Ambos tienen una Palma de Oro en sus estantes por Taxi Driver y varias nominaciones al Ɠscar.

”El contador de cartas ya se encuentra en cartelera y es un film de nuestros amigos de Cine Caníbal!

Luis Toriz

Por Luis Toriz
Sitio web:Ā https://cineofata.blogspot.com/
Twitter: @JonathanToriz
Facebook: @CDesclasificandoElCine
Instagram: @elultimovivo