La Quimera

«Una obra que desafía las convenciones narrativas y se sumerge en las huellas del pasado para construir algo nuevo y potente.»

La Quimera (2023) dir. Alice Rohrwarcher

Alice Rohrwacher, una cineasta que se distingue por su destreza excepcional en la creación de relatos que profundizan en las complejidades del alma humana con una delicadeza y comprensión inigualables, nominada a la palma de oro por mejor película en el Festival de Cannes, nos ofrece su más reciente obra: «La Quimera». Esta película no es solo un viaje cinematográfico, sino una inmersión profunda en el corazón palpitante de la Toscana de los años 80, un lugar donde la historia y la mitología se entrelazan con la vida cotidiana.

La historia sigue a Arthur, que gracias a la interpretación profundamente emotiva y matizada de Josh O’Connor (a quién también podemos ver en The Crown como el Príncipe Carlos). Este arqueólogo inglés, marcado por el tiempo tras las rejas, emerge en un paisaje toscano que esconde secretos milenarios bajo su superficie serena. La libertad le trae un nuevo propósito: sumergirse en el mundo clandestino de los cazadores de reliquias etruscas, una sociedad sombría que desafía su moral y su intelecto. La travesía de Arthur es una odisea que trasciende la búsqueda de objetos antiguos; es una lucha por recuperar el amor perdido. Su relación, forjada en momentos de intensidad y tragedia, se convierte en el verdadero tesoro que Arthur anhela redescubrir.

La Quimera (2023) dir. Alice Rohrwarcher

Alice Rohrwacher, emplea magistralmente una variedad de formatos y estilos visuales, desde 35 mm hasta 16 mm, para crear una experiencia cinematográfica que es tanto una celebración de la vida como un lamento por las glorias pasadas. La directora nos invita a reflexionar sobre la cultura como un tesoro que puede ser saqueado, pero a un costo emocional profundo. Al mismo tiempo, Rohrwacher no teme sumergirse en las sombras de la nostalgia. Su obra nos confronta con el costo emocional de este robo cultural, suplicándonos a considerar el valor intrínseco de nuestras raíces y tradiciones en un mundo que avanza duramente hacia el futuro.

La puesta en escena de Alice Rohrwacher en «La Quimera», captura la belleza clásica de la Toscana, con sus colinas ondulantes y sus cielos extensos, que sirven como un lienzo viviente para la historia, sumando a ello la vibrante originalidad de su banda sonora, que incluye temas de Kraftwerk a Franco Battiato. La película rompe la cuarta pared, involucrando al espectador en la narrativa, invitando a sumergirnos en la aventura, a ser más que meros observadores. Convirtiéndonos en cómplices, haciéndonos partícipes de cada descubrimiento y cada revelación, en un viaje que es tanto personal como universal.

La Quimera (2023) dir. Alice Rohrwarcher

«La Quimera» es una obra que desafía las convenciones narrativas y se sumerge en las huellas del pasado para construir algo nuevo y potente. Rohrwacher, con su característica empatía e inteligencia narrativa, nos presenta una fábula que es tanto un comentario social como una exploración de la espiritualidad y la humanidad.

La película es una experiencia única que no solo entretiene, sino que también invita a la introspección y al debate. Es una adición valiosa al cine de autor y una muestra más del talento excepcional de Alice Rohrwacher, llevándonos por un viaje de amor y pérdida, donde cada revelación es un paso más hacia la redención o la ruina total.

La cautivadora película “La Quimera” llegó a las salas de cine en México este jueves 11 de abril de 2024, ¡Vayan a descubrir La Quimera!, ¡No se la pueden perder!

Por: Cristian G. Álvarez H., IG: @redrockernyc

La mesita del comedor

Una película que mantiene al espectador en una tensión dramática constante, sumergiéndolo en un estado continuo de incertidumbre y angustia.

El pasado viernes 12 de enero marcó el estreno en las salas de cine el segundo largometraje del destacado director español Caye Casas. Reconocido por sus aclamados cortometrajes «NADA S.A» y «RIP», ha cosechado elogios tanto de críticos como de audiencias, acumulando más de 200 premios a nivel mundial y siendo seleccionado en más de 500 festivales.

El éxito de sus cortometrajes allanó el camino para la realización de su primer largometraje, «Matar a Dios», que debutó en el Festival Internacional de Cinema Fantastic de Sitges y se hizo merecedor del gran premio del público. Este año, «La mesita del comedor» sigue esta destacada trayectoria al cautivar a audiencias de diversas partes del mundo. Una película independiente, que logró realizarse en un lapso de siete días de filmación.

Según palabras del propio director, es una película que, una vez vista, resulta imposible olvidar. 

María y Jesús han dado la bienvenida a su primer hijo después de numerosos intentos y una larga espera. Sin embargo, parece que Jesús no está completamente convencido de convertirse en padre en este momento. A pesar de sus esfuerzos conjuntos, María ha asumido el control en la construcción de su hogar, tomando decisiones importantes que han llevado a Jesús al límite de su paciencia. Motivado por el ego y buscando afirmar su propia independencia, Jesús toma una decisión inusual: comprar una mesita para el comedor que es tanto inusual como costosa. Aunque en apariencia esta elección parece impulsada por la rebeldía, este singular mueble terminará por cambiarle la vida de maneras que ni María ni Jesús podrían haber anticipado.

Es relevante destacar la connotación religiosa vinculada a los nombres de María y Jesús en la narrativa. En los momentos de mayor tensión para el personaje de Jesús, la película utiliza planos detalle de un Cristo crucificado, estableciendo una conexión simbólica con las experiencias del protagonista. La estatua del Cristo crucificado, central en la iconografía católica, se emplea como un símbolo potente de identificación con el sufrimiento humano. En la crucifixión, Jesús vivió el dolor y la agonía, acercándose así a las experiencias humanas de sufrimiento.

En consonancia con este concepto, María se presenta como una madre que sufre. Esta representación se conoce comúnmente como la Virgen Dolorosa, simbolizando la compasión y el dolor compartido con la humanidad.

La construcción meticulosa de la mesita del comedor, que se desarrolla a lo largo de los 90 minutos de la película, no es mera coincidencia. Profundizando en un contexto artístico, evoca de manera notable la obra «Arco de histeria» de la escultora francesa Loise Bourgeois. Esta obra resuena con las emociones y percepciones más íntimas de la artista, capturando sensaciones que escapan a las palabras, ya que preceden al lenguaje mismo. Elementos como el hambre, la frustración, las representaciones del padre y la madre, la culpa, el abandono, la muerte, y el vacío en el estómago se plasman de manera evocadora. Son estas sensaciones tan personales y universales a la vez las que generan una conmoción tan profunda en el espectador.

«Arch of Hysteria» 1993 Louise Bourgeois

En el contexto del psicoanálisis, la figura de «la mujer histérica» se asocia con la manifestación de contorsiones, donde el cuerpo se arquea en el aire, como respuesta a recuerdos traumáticos reprimidos por algún tipo de represión, un comportamiento que supuestamente el hombre no exhibiría. Resulta intrigante observar en la película, cómo, a pesar de ser testigos de los acontecimientos, Jesús se esfuerza por mantenerse firme en todo momento. La fascinante dualidad entre la significación de la mesita del comedor y el personaje sumido en sus propios pensamientos frente a lo recién ocurrido añade una capa adicional de complejidad a la narrativa.

El uso de ópticas extremas, macros y grandes angulares para acentuar la pesadilla experimentada por el protagonista desde el inicio del metraje demuestra una elección consciente para transmitir una atmósfera particular, especialmente durante los momentos de mayor tensión en la trama.

Las decisiones visuales afectan la experiencia del espectador, sumergiéndolo en la narrativa y resaltando los aspectos emocionales y tensos de la historia. Por ejemplo, en la secuencia inicial de la película, se presenta un plano que, al ser analizado desde la perspectiva de la tragedia griega y de lenguaje audiovisual, revela al vendedor de la mesita como la personificación de lo divino y el control del destino. Su influencia trasciende al despertar emociones ligadas a la seguridad, el control y el poder, factores que finalmente inciden en la decisión de Jesús.

En la aparente superficialidad de la elección de la mesita del comedor, se oculta el terror latente de decisiones que pueden transformar la vida de un momento a otro. En lo aparentemente cotidiano, el terror se manifiesta, convirtiendo las decisiones rutinarias en fuentes de inquietud. El miedo de llevar una vida normal se vuelve palpable, y decidir motivado por el ego puede convertirse en tu peor pesadilla. La aparente simplicidad de una compra puede revelar las complejidades internas de la existencia, donde cada elección, por más trivial que parezca, puede desencadenar consecuencias imprevistas y profundas.

Jesús, ¿por qué te resultaba tan difícil ceder una vez más?

Belén Ruiz

@ruzper02

PUAN

De la comedia a la reflexión filosófica, un filme con risas y consciencia social

El 2024 inicia, y con el empieza la época de premios para lo mejor del cine. El pasado 7 de Enero se celebró el primer galardón para el séptimo arte «Los Golden Globe», este es el primer paso para descubrir quien probablemente subirá al podio de los premios de la academia en Marzo. Si bien todos  esperamos la presea a mejor película, mejor director y mejor actor y actriz, hay que tener en cuenta que mejor película extranjera es una que no hay que dejar de ver.

En el 2023 se celebró el festival internacional de San Sebastián como cada año, y desde ahí se comienza a ver quiénes se perfilarán a meterse a la lista final de la categoría de la academia como mejor película extranjera, y este año la favorita para competir por Argentina es “Puan”, si bien la cinta no pudo condecorarse con la concha de oro a mejor película, si pudo llevarse el premio del jurado a mejor guion y la concha de plata por mejor actuación.  Por ahora, este filme argentino se encuentra en espera de ver los resultados para  el 10 de Febrero del presente año por los premios Goya, ya que Puan se encuentra compitiendo en la categoría de mejor película iberoamericana; en caso de resultar la ganadora podría estar marcando ruta para los premios Oscar.

Hablemos de Puan. La cinta nos lleva por la vida de Marcelo Pena (Marcelo Subiotto) un profesor de filosofía de la  UBA (Universidad de Buenos Aires), hombre de familia, docente por años, una vida relativamente rutinaria y normal, sin embargo, todo dará vueltas cuando su mentor, amigo  y titular de la cátedra, Jorge Caselli, fallece inesperadamente. Con la muerte de Caselli, llegará un viejo conocido  y compañero de escuela de Marcelo, el profesor de filosofía Rafael Sujarchuk  (Leonardo Sbaraglia).  Marcelo no recibe de buena manera esta visita por parte de Rafael, y es que después de su egreso de la UBA , Sujarchuk viajó Alemania y no regresó, ¿ Por qué la repentina muerte del Caselli es buena excusa para volver? Con la partida del titular de cátedra, esa plaza ha quedado vacía y es obvio para Marcelo que Rafael ha puesto ojos en ella.

La vida del profesor de la Pena comienza a tener giros cuando decide competir por el puesto de catedrático, sin embargo, sabe que dicho camino no será sencillo teniendo como rival a Rafael, un hombre políglota, enólogo, pianista, sensible, atractivo, y pareja de la famosa actriz Vera Mota (Lali Esposito) sin duda, Marcelo tiene mucho en su contra al competir, y es que aunque no era algo que él deseara, el simple hecho que Rafael pueda llegar y quedarse con el espacio de su entrañable amigo Caselli, hará que Pena compita por esa plaza.

A lo largo de la cinta veremos todas las peripecias que vive Marcelo Pena; la falta de pago por parte de la escuela, sus clases particulares de filosofía a una mujer de edad avanzada, su contribución a la comunidad dando clases en los barrios y su intento de ser padre y esposo. No obstante, en cada momento Marcelo reflexiona todo desde la filosofía, exhorta a pensar, a cuestionarnos sobre lo que sucede, a tener un criterio político, social y humano. Ayudado de citas y frases de grandes pensadores como Rousseau, Locke y Hobbes; Marcelo tratará de salir adelante con todo lo que sucede. Al final la crisis lleva al sector de educación pública a repercutir en PUAN (como se conoce coloquialmente a la facultad de filosofía y letras de la UBA), y es en ese momento donde Marcelo mostrará de que esta hecho un filósofo-político de verdad.

Este filme argentino fue escrito y dirigido por Maria Alché y Benjamín Naishtat. En su estreno y rueda de prensa en San Sebastián, fueron cuestionados sobre su aportación política por parte de la cinta tomando en cuenta lo que vive Argentina y la llegada de Javier Milei a la presidencia, a lo que ambos directores contestaron  que el guion fue escrito hace cuatro años, por lo que dicha coincidencia es solo eso, sin embargo, están contentos por que la cinta deje un mensaje de reflexión y de pensamiento ante los sucesos que viven en su país. Puan puede parecer una dicotomía de mensajes, y es que aunque habla de filosofía y reflexión, es una cinta cómica a su vez, la cinta está cargada de varios diálogos chuscos y situación absurdas; dicha intención fue planeada desde un inicio, así lo afirman Alché y Naishtat, consideraban que era la mejor manera y la más obvia para llevar la vida de este típico personaje como lo es Marcelo.

Este 19 de Enero no puedes perderte en la Cineteca Nacional, PUAN, una cinta cómica, reflexiva, ácida, hilarante y sobre todo real. Así que cuando la veas, pregúntate  al igual que Marcelo ¿Cuál es la distancia correcta entre el puercoespín para no lastimarse y para poder sobrevivir? Esa es la reflexión con la que se cuestiona el ser humano y su relación política y social.

Jimena Jimenez

Napoleón

De «El Gladiador» a «Napoleón», el nuevo filme bélico de Ridley Scott que promete ser una fascinación visual.

A lo largo de la gran trayectoria de Ridley Scott hemos podido visitar tantas épocas como escenarios posibles, y es que el creador de Alien, el octavo pasajero nos ha permitido ir a diferentes lugares, tales como: el espacio, la antigua Roma, Europa medieval, una sociedad futurista y sin olvidar ese viaje de carretera con su única  road movie.

Sabemos que los filmes del realizador inglés son extremadamente ambiciosos, desde el diseño de arte, la fotografía,  maquillaje, vestuario y mucho más;  es gracias a esta minuciosidad en sus cintas que lo ha llevado a ser acreedor del premio a mejor película de la academia (Oscar) por su película “Gladiador”.  Dentro de la filmografía de este director podrás encontrar muchas cintas como:  “Los duelistas” (1977), Blade Runner (1982), “La sombra del testigo” (1987),  “Black rain” (1989), “ Thelma y Louise” (1991),  “Gladiador” (2000),  “Hannibal” (2001),  “American Gangster” (2007), “Robin Hood” (2010), “Prometeo” (2012), “Exodus” (2014), “El ultimo duelo” (2021), “La casa de Gucci” y muchas más que faltarían en este listado.

En las cintas de Ridley Scott, cabe mencionar su pasión por retratar hechos históricos, y es que la mayor parte de sus películas cuentan historias reales llevadas a la pantalla grande, por lo cual podemos decir que si algo debemos aplaudir de sus logros son sus escenas bélicas perfectamente realizadas; donde la sangre, las espadas, y múltiples muertos nunca faltarán. Uno pensaría que para los 85 años de este aclamado director sus filmes deberían de contener menos enfrentamientos, no obstante, este año Scott cierra el 2023 con su última cinta titulada “Napoleón”. En esta película el director no mostrará la vida de uno de los militantes más reconocidos de la historia mundial.

Hablemos un poco sobre Napoleón. Hombre militante que participó en la revolución francesa y puso su fin de esta misma, este corso tuvo un gran ascenso posterior a la muerte de María Antonieta, siendo este el inicio de su carrera política como militar, llegando a ser emperador de su país. Su éxito se debió a su habilidad y su mentalidad estratega, ganando varias batallas, entre ellas, la de Tolón, la invasión de Rusia, Austerlitz y  Borodinó.  Se estima que a lo largo de las famosas guerras napoleónicas  se llegaron a perder 3 millones de vidas, siendo unos de los capítulos bélicos más sangrientos de la historia. Este particular personaje ha tenido infinitas adaptaciones a la pantalla grande como la cinta “Napoleón” 1927  de Abel Gance, solo por mencionar una, ya que a  lo largo de la historia del séptimo arte la figura de este corso ha estado presente en varias ocasiones, sin olvidar el filme que no vio la luz, pero que Stanley Kubrick pensaba realizar para finales de los 70´s.

Entremos en materia. Napoleón, de Ridley Scott, promete ser uno de sus proyectos más ambiciosos de su carrera, y es que esta cinta podría compararse en grandeza con su antecesora Gladiador.

La cinta inicia con la caída de María Antonieta en la guillotina, la revolución ha llegado a su final y un hombre marca esta diferencia, Napoleón Bonaparte  (Joaquin Phoenix) un joven militante que busca un cambio en el reinado de Francia. Con la toma de Tolón, nuestro protagonista buscará recuperar territorio para las fuerzas revolucionarias, es aquí donde obtendrá su primera gran victoria, misma que lo catapultará al ascenso de su carrera; inclusive en esta escena podemos ver como Napoleón sube una escalera para atacar a sus enemigos, demostrando gráficamente la dirección que tomará nuestro protagonista a partir de este punto. Conforme la cinta sigue su desarrollo iremos viendo varios de sus enfrentamientos de las ya mencionadas guerras napoleónicas, sin embargo, la cinta no busca centrarse solo en este tema, ya que Ridley Scott, nos mostrará el otro lado de la moneda de este guerrero francés y es que era bien sabido que Napoleón amaba infinitamente a su país, pero hubo una mujer que logró llegar al lugar más profundo de la mente de este estratega.

 En el filme veremos la relación de Bonaparte y su esposa Josefina (Vanessa Kirby), y como esta misma marcará muchas fases importantes en la vida del emperador. Al final de la película se puede observar la caída de su imperio como de su persona, y es que al igual que al inicio podemos verlo escalando a la cima, en la parte final notaremos gráficamente el desplome y el cierre de esta figura de campana que forma parte de la vida del corso. 

La cinta cuenta con un magnifico reparto, sin mencionar la espléndida actuación por parte de Joaquin Phoenix , quien probablemente podríamos ver el próximo año nominado para los premios Oscar. Aunque el filme está por estrenarse, la crítica ya ha podido hablar sobre esta, y así como algunos la han recibido muy bien, cabe mencionar que la crítica francesa no la ha tomado como el mejor trabajo de Scott, esto refiriéndose a que la historia está mal enfocada, sin embargo, Ridley ha mencionado que no busca dar una clase de historia con este cinta. Y es que claramente lo que el director buscó, fue mostrar su poder militar, pero principalmente su lado humano y su relación con Josefina.

Así que no puedes perderte uno de los filmes más importantes de este año. Déjate deslumbrar por sus magníficas escenas y por los 3 amores más importantes de Bonaparte…Francia, su ejército y su JOSEFINA.

Estreno en cines este jueves 23 de noviembre 2023

Jimena Jimenez

Un lugar llamado música

Un lugar llamado música (2023) Dir. Emrique M. Rizo

Este documental distribuido por Pimienta Films es un producto de la curiosidad de Enrique M. Rizo al ver a dos músicos cuyos contextos contrastan tanto que nos recuerdan cómo en la inmensidad del mundo cabe tanta diversidad, pero que aún es lo suficientemente pequeño como para permitir que éstas realidades se encuentren y tengan la posibilidad de crear algo inédito.

Philip Glass, un compositor de música clásica minimalista y egresado de Julliard School en Nueva York, es uno de los protagonistas de este filme. Él conoce, casi por accidente, a Daniel Medina De la Rosa, un músico wixárika proveniente de la comunidad Santa Catarina en Jalisco, en una presentación del estadounidense que aparentemente no tendría nada especial o particular, pero que se convertiría en apenas la primera vez que sus talentos se combinarían para crear algo inesperado y vanguardista. 

Un lugar llamado música (2023) Dir. Emrique M. Rizo

“Un lugar llamado música” registra la expedición en que se embarcaron ambos artistas para crear música juntos. Sin tener un idioma en común y con el desafío de tener como única comunicación directa miradas y gestos, estos músicos encontraron un lenguaje en común: la música. Y es por medio de esta música que construyen una relación sin igual y que caen en cuenta que también comparten al fuego como un elemento esencial en sus vidas, cuestión que no tardaron en retratar en sus composiciones. 

Con el acompañamiento en piano de Glass, esta relación tan particular tuvo como resultado la creación del álbum “The Spirit of the Earth”. En este disco se comparte y preserva un poco de la cultura wixárika (cuestión que era de suma importancia para Medina y su comunidad), especialmente su cosmovisión y su relación con la naturaleza que quedó retratada en las líricas de sus canciones, mismas que serían llevadas a la vida en Julliard, Nueva York, y El Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México. 

Un lugar llamado música (2023) Dir. Emrique M. Rizo

Desde una perspectiva personal y bastante ignorante en lo que a música y composición respectan, esta mezcla suena extraña al inicio, pero hay algo que le da sentido y conforme avanzó el documental me parecía más difícil imaginar las canciones sin la intervención de alguno de los músicos y esa sensación de extrañeza poco a poco se convirtió en curiosidad y asombro. La película me atrajo desde el momento en que presentaron a los protagonistas, pero me cautivó cuando alcancé a sentir un poco de su conexión. Lo pensé cómo transitar un camino de la mano de Medina y Glass hacia un lugar llamado música. 

Estreno en salas de cine el 17 de Noviembre de 2023

Rebeca Hernández Aguayo

Confesiones

Un retrato revelador sobre los secretos en familia.

Después de cinco años, el director Carlos Carrera regresa a la pantalla grande y es que el creador de éxitos como: La mujer de Benjamín (1991), El crimen del padre Amaro (2002), El Héroe (1994) y Ana y Bruno (2017), retorna con un nuevo filme lleno de suspenso y secretos, titulado “Confesiones”. Hablar de la gran trayectoria del mexicano, es entrar a un mundo donde los filtros, eufemismos y tactos no están agregados. Para Carlos Carrera, contar una historia debe tener algo fuerte que decir, principalmente cuando se trata de la sociedad mexicana, la cual está inmersa de muchos aspectos que tocar. En sus proyectos pasados hemos visto que sus películas han hablado sobre religión, política, machismo, duelo, pérdida, delincuencia, etcétera, y en esta ocasión, no es la excepción, ya que Confesiones sigue la línea ya marcada por este realizador.

Hablemos sobre Confesiones. Basado en el filme español “Bajo la Rosa”, es que nace este proyecto  con la producción de Daniel Birman Ripstein, la dirección de Carlos Carrera y la tutela de Sony Pictures Entertaiment.  Esta triada nos trae en pantalla grande una historia reveladora, cruda, impactante y sorpresiva; algo que es muy común en los filmes del mexicano. Con un reparto perfecto: Juan Manuel Bernal, Claudia Ramírez, Luis Gnecco y Emilio Treviño.

Con tan solo cuatro personajes y una sola locación (lo que parece una puesta en escena teatral), esta historia nos lleva por la vida común y corriente de una familia; no obstante, su rutina se ve interrumpida cuando la menor de sus integrantes desaparece al no ser localizada después del colegio. Este abrupto giro en sus vidas pondrá al resto de la familia a la búsqueda de la pequeña, sin embargo, una llamada les hará cambiar de rumbo, ya que el secuestrador de la niña está solicitando algo para poner en libertad a su rehén, no obstante, el precio no es tan sencillo, porque el valor de la pequeña no viene en símbolos monetarios, si no que es una sola cosa a cambio; uno de los tres integrantes esconde un oscuro y terrible secreto, el cual deberá ser revelado antes del amanecer para poder dejar en libertad a la menor.

Confesiones te dejará al filo del asiento en todo momento, eso sin contar la constante carga de suspenso al no comprender nada de lo que pasa. Un filme perfectamente logrado, dejando ver que las actuaciones hacen de esta película una maravilla, ya que en ningún momento se pierde la tensión que viven a flor de piel esta familia.

En su estreno en el pasado Festival Internacional del Cine de Morelia, Juan Manuel Bernal  declaró: “Es un thriller, de los pocos que se hacen en México, muy fuerte. Me encanta el cine que no sabes a donde va”.  Y es que no solo el actor mexicano ha quedado fascinado con el resultado de este filme, porque seguramente confesiones dejará a más de uno en estado de shock. Con esta película es el gran regreso de Carlos Carrera que todos esperábamos, así que no puedes perdértela , ya que te dejará reflexionando, pero antes de ir a verla preguntante ¿y tú conoces en verdad a toda tu familia?

Jimena Jiménez

Lluvia

La ópera prima de Rodrigo García Sáiz entrelaza seis historias con el escenario lluvioso de la ciudad.

Ciudad de México, lugar que alberga extraordinarias historias por contar. Capital de una urbe en constante movimiento y que se coloca como el escenario idóneo del director Rodrigo García Sáiz, que después de realizar un par de cortometrajes, materializa su primera película con Lluvia, que de la mano de un ensamble actoral de alto calibre, teje seis historias insólitas que transcurren durante una tarde-noche en las calles de la CDMX.

El cineasta nominado al Ariel por su cortometraje de ficción El hombre que murió de un rumor (1996) toma las riendas del guion de Paula Markovitch y hace suya la historia, que presenta a un multielenco que incluye nombres como Bruno Bichir, Dolores Heredia, Arcelia Ramírez, Cecilia Suárez, Morganna Love, Krystian Ferrer, Hoze Meléndez, Tiaré Scanda, Martha Claudia Moreno, Mauricio Isaac entre otros. Le da la oportunidad a cada uno de llenar de matices a sus personajes que se representan en cada una de las aflicciones que padecen.

En Lluvia dos son los elementos cruciales protagonistas de la cinta. Por un lado tenemos a la ciudad, que acompaña en cada historia a sus personajes y por otro lado está, precisamente, el clima que le da nombre al título. Rodrigo en su intención por retratar su ciudad natal, permeó a este argumento de lluvia constante, que reflejara el aspecto realista del que fuera antes llamado Distrito Federal, porque originalmente no estaba contemplado que lloviera en la cinta, pero es gracias a la visión de su director, que este elemento se añadió para adjuntar un aspecto más identificable.

Describir la trama de Lluvia sugiere desdeñar las seis historias que conforman su cuerpo. Detallarlas le restaría el factor sorpresa, y por tanto, este drama se puede explicar cómo aquellas anécdotas que pueden parecer insólitas pero que llegan a suceder. Ejemplos tenemos al taxista que todo el día conduce por la metrópoli y que con cada pasajero conoce a una persona nueva, o a la pareja que con problemas maritales se enfrenta a una emergencia ajena; o el triste caso de un robo a una mujer que va de regreso a su casa y dos asaltantes la sorprenden para despojarle de sus pertenencias.

Las otras tres historias se dejan ver en el peculiar encuentro de dos jóvenes que sin nada en común, pasan una noche juntos sin la probabilidad de volverse a ver; de una enfermera que realiza un favor a un paciente que la puede involucrar en un asunto ilegal y finalmente conocemos a un hombre solitario en busca de una dama de compañía.

Descrita la trama de la película, resulta interesante mencionar la peculiar manera de entrelazar cada una de las historias, porque no todas encuentran una conexión directa, y es aquí que resuena el objetivo de Lluvia, al conectarlas de forma aleatoria y con la intención de hacer evidente que en la vida real suele suceder así, simplemente por cuestiones del destino nos solemos topar con personas que traen consigo un trasfondo.

En el desempeño de cada histrión, su trabajo es no ser protagonista, sino ser el hilo conductor que nos lleve por las rutas de los personajes, y ahí es donde encuentra su mérito el filme. Cada historia cuenta consigo un elemento ya sea de soledad, amor, ilusión o desesperanza propios de la condición humana, que con ayuda del elemento climático, se enfatiza el objetivo de limpiar, purgar, alegrar, entristecer o hacer pensar en el espectador, llevando así la lluvia como protagonista de la cinta.

Filmar en condiciones de lluvia ya sea natural o intencionada se supone un reto para la producción, y es gracias al diseño sonoro y cinematografía que resalta esta sensación con atino. Se encuadra muy bien la representación de un lado de la ciudad poco explorado en el cine mexicano, y esto le agrega un toque de autenticidad que destaca en sus aspectos técnicos.

Presentada el pasado 22 de octubre en el 21 FICM 2023, Lluvia se posiciona como una propuesta en el cine mexicano que es digna de verse. El retrato social y emocional de su historia le brindan la identificación suficiente que la industria y el público necesita de su cine en este momento. Con fortuna su calendarización para salas de cine se prevé para 2024.

Ser Heroico

Situada en el Heroico Colegio Militar de México, la película «Heroico» nos sumerge en la vida de un joven cuyo motivo inicial para enlistarse en el ejército es profundamente humano: asegurar el bienestar médico de su madre enferma de diabetes. Una vez dentro de las filas del ejército, el talento y vocación del protagonista no tarda en captar la atención de uno de sus superiores, quien comienza a involucrarlo en misiones extraoficiales que rayan en la ilegalidad. Aunque esto le garantiza el favor y reconocimiento de un superior, lo coloca frente a frente con la dura realidad del abuso del poder. A esto se suma que el protagonista se vuelve observador y cómplice de las transgresiones hacia sus colegas por parte de la jerarquía militar.

A medida que la trama se desarrolla, observamos cómo este ambiente, inicialmente percibido como una solución a sus problemas, comienza a erosionar la humanidad del protagonista. Las tensiones no solo se limitan a su vida dentro del colegio militar, sino que traspasan los muros y se manifiestan en su vida personal, llevándolo a replicar patrones de violencia con su pareja y seres queridos. La historia nos presenta una intensa lucha interna, donde, a pesar de resistirse, el protagonista es paulatinamente absorbido por ese mundo violento y despiadado. Sin embargo, en un giro inesperado, un vestigio de su humanidad original provoca una crisis que desencadenará en una decisión que marcará su destino.

Visualmente, «Heroico» ofrece una cinematografía sólida y bien estructurada, sin embargo, no puede evitar caer en la trampa de hacer referencias excesivas a «Full Metal Jacket», de Stanley Kubrick, otra película que aborda la realidad de la vida militar. Es una lástima que el director, en su afán de homenajear una obra maestra, termine perdiendo la oportunidad de imprimir un sello personal y distintivo a su obra. La única escena que destaca por su originalidad y ejecución ocurre cerca del desenlace de la película. Ambientada en una piscina, vemos al protagonista y a su superior abrazados en el trampolín de clavados, preparándose para saltar al unísono. Este momento no solo es visualmente impactante, sino que también crea una metáfora de singular belleza acerca de la corrupción y el descenso del personaje en garras de su superior.

El guion, si bien ambicioso, parece dispersarse entre los múltiples conflictos que presenta. La narrativa de «Heroico» lucha por encontrar un equilibrio entre la relación del protagonista con su madre, la presión de su superior y el dilema moral que enfrenta al ser testigo de los abusos en la institución. Esta dispersión temática puede resultar confusa y, en ciertos momentos, hace que la audiencia se pregunte cuál es el verdadero núcleo de la historia.

A pesar de su audaz intento de descubrir la crudeza del Colegio Militar, “Heroico” parece retenerse, mostrando solo la punta del iceberg de los abusos que se rumorean ocurren detrás de esos muros institucionales. Uno no puede evitar preguntarse si esta contención se debe a una autocensura por parte del director, tal vez motivada por temor a represalias o a la crítica. Sin embargo, es necesario aplaudir la valentía con la que se abordan temas tan controvertidos y sensibles.

«Heroico» ha logrado lo que muchas películas no consiguen: despertar la conciencia social y generar un intenso debate en torno a los abusos y la corrupción en las instituciones militares, incluso entre los mismos militares. Esta interacción entre la película y el público va más allá de la pantalla, transformando el cine en una herramienta poderosa para el cambio social. No obstante, es imposible pasar por alto las connotaciones políticas que subyacen en «Heroico». En un contexto en el que el gobierno de López Obrador ha mostrado un fuerte apoyo a las clases militares, la elección del momento de lanzamiento de la película, así como la figura de Michel Franco como productor, arroja sombras de sospecha sobre las verdaderas intenciones detrás de la obra…

El desenlace de «Heroico» es inesperadamente abierto, dejando al espectador en un estado de incertidumbre. Aunque este tipo de finales a veces pueden funcionar, en el caso de “Heroico” deja un poco insatisfecha a la audiencia, y hace sentir que la película fue interrumpida sin poder ofrecer un cierre adecuado.

En conclusión, «Heroico», con sus imperfecciones y audacias, se posiciona como una película provocadora que insta a la reflexión y al cuestionamiento sobre temas fundamentales en la sociedad actual. Es una obra que, más allá de la pantalla, sin ninguna duda, continuará resonando en el conversatorio del cine mexicano.

PABLO BASTIDA

Instagram: @bastidaph

Los Jardines Colgantes: entre lo sutil y la crudeza.

Los Jardines Colgantes (2022) dir. Ahmed Al-Daradji

Como cada año desde 2015, la Cineteca Nacional albergará, del 8 al 21 de septiembre, el ciclo “Talento Emergente”, en el cual se exhiben óperas primas o segundas películas de realizadores debutantes provenientes de diversas latitudes del mundo. Y sin duda, entre las obras que se presentan este año, destaca “Los Jardines Colgantes”, del director iraquí Ahmed Yassin Al-Daradji.

“Los Jardines Colgantes” no es una ópera prima cualquiera; se trata del trabajo de un equipo de jóvenes cineastas criados bajo el régimen de Sadam Hussein, y que han vivido en carne propia los horrores de la invasión estadounidense a Irak. Dicho eso, desde antes de entrar a la sala, ya se puede anticipar lo mucho que tienen para contarnos estos talentosos realizadores, expectativas que no sólo son cumplidas sino superadas. “Los Jardines Colgantes” narra una historia cruda, llena de violencia y erotismo, con una profundidad y sutileza como solamente los poetas persas habían logrado.

Los Jardines Colgantes (2022) dir. Ahmed Al-Daradji

En “Los Jardines Colgantes” seguimos la historia de As’ad, un niño huérfano recolector de basura (lo que en México entenderíamos como un pepenador), inmerso en la hostilidad del desierto, y en un mundo violento y fundamentalista que lo devora todo, incluso los cadáveres. Pese a tener que formar parte de esa vorágine para subsistir, As’ad aún conserva un poco de su inocencia infantil, y se resiste a ser corrompido por quienes lo incitan a capitular su humanidad. Como cualquier niño, siente una gran curiosidad por las mujeres y la sexualidad, y es en esas circunstancias que un día encuentra, entre las montañas de basura que revisa a diario, una muñeca sexual de tamaño natural, hiperrealista, probablemente desechada por los soldados norteamericanos.

Es de llamar la atención que, en este punto, el director libra el obstáculo de la narración vulgar y morbosa, y hace del encuentro de As’ad con la muñeca un contacto inmaculado entre la inocencia y el mundo femenino. Evidentemente, en una sociedad tan fundamentalista como la iraquí, resulta imposible concebir la existencia de una muñeca sexual casi humana y con rasgos occidentales, por lo que As’ad comienza rápidamente a enfrentar adversidades.

Los Jardines Colgantes (2022) dir. Ahmed Al-Daradji

As’ad es un niño astuto y logra conservar su muñeca, sin embargo, la necesidad de subsistir lo orilla a emprender un negocio a costa de ella. En sociedad con uno de sus amigos, va por las calles de su comunidad, en una carreta improvisada, ofreciéndole a otros jóvenes curiosos los servicios sexuales de su muñeca. Esto, sorprendentemente, no deshumaniza a As’ad, quien crea un vínculo con su juguete de apariencia antropomórfica, al cual comienza a ver como su amiga, y a tratar con dignidad.

Al no informar de su emprendimiento a los caciques de la zona, quienes controlan todos los negocios, As’ad comenzará a ser perseguido y amedrentado por la mafia local, hasta terminar en una encrucijada de la que sólo podrá salir vivo a costa de su inocencia.

Esta película tiene un guion excepcional, y tanto la cinematografía como el diseño de producción son sólidos; sin embargo, lo que vuelve a este filme una verdadera revelación es el trabajo de dirección. Las decisiones artísticas en cuanto a narrativa visual, los encuadres y el montaje crean atmósferas con mensajes sutiles, pero poderosos. Pese a que a lo largo de toda la película no vemos en cuadro un solo asesinato ni una sola escena sexual explícita, la película construye una poética sumamente efectiva en transmitirnos los horrores de la postguerra y el fundamentalismo de medio oriente. Este hecho en sí mismo es una gran conquista artística, pues, a diferencia de la literalidad que vemos en mucho del cine occidental, “Los Jardines Colgantes” trasciende en concepto porque crea metáforas de una belleza extraordinaria, mismas que solo podrían provenir de la visión de un cineasta inmerso en una cultura que insiste en cubrirlo todo con fastuosos velos de finas telas. 

En suma, “Los Jardines Colgantes” es una película imperdible para todos los amantes del buen cine, y es una ópera prima que vale la pena ver, analizar y apoyar. Los horarios de “Los Jardines Colgantes” pueden consultarse en la página web de la Cineteca. 

Compra aquí tus boletos https://www.cinetecanacional.net/

PABLO BASTIDA

Instagram: @bastidaph

La nueva Cineteca Nacional de las Artes y la centralización de los espacios culturales.

La Secretaría de Cultura del gobierno de México, a través de la Cineteca Nacional y con apoyo del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) y el Centro Nacional de las Artes (CENART), presentan la Cineteca Nacional de las Artes, un recinto más dedicado a la exhibición cinematográfica nacional e internacional.

Ha sido renovado lo que fue el multicinema ubicado dentro del CENART, convirtiéndose ahora en la Cineteca Nacional de las Artes, inmueble que será dedicado al séptimo arte, especializándose en la exhibición de filmes no comerciales, como lo ha venido haciendo la Cineteca Nacional desde su apertura en 1974; así mismo, se brindará el espacio a eventos culturales y educativos.

En la conferencia de prensa que se suscitó para dar anuncio a la inauguración de este recinto, el director general de la Cineteca Nacional, Alejandro Pelayo Rangel, compartió un mensaje: “Es importante para nosotros que juntos celebremos el recuperar un espacio que había sido privado y que no fue fácil lograr tener otra vez un espacio público y otra cineteca. Fue una muy buena negociación, tan es así, que pudimos tener ya listo este espacio para ustedes y efectivamente, otro punto esencial es que no vamos a repetir la programación de la cineteca, la vamos a ampliar”. Sobre las películas que se exhibirán, dijo: “Nuestra prioridad es nuestro cine, que no encuentra muchas veces pantallas, el que necesita tener un espacio propio que también privilegie este cine con los estrenos internacionales, los ciclos, los festivales a los que ustedes están ya acostumbrados. Entonces, crecemos; no repetimos. Eso es fundamental”.

En conmemoración y para celebrar el día del cine mexicano, el 16 de agosto del año en curso, se abrirán las puertas al público y para recibirlos afables, durante todo un mes, la cartelera estará dedicada a distinguir las películas que han conformado el cine mexicano tanto contemporáneo, como el antaño; y a lo largo la primera semana, se proyectarán las cintas más notables en las que la actriz María Rojo a lo largo de su trayectoria ha destacado.

Además, durante esta primera semana de apertura de la Cineteca Nacional de las Artes, las funciones serán gratuitas, y las tres semanas restantes, las entradas estarán al 2×1. El horario será de lunes a domingo a partir de las 10:00 am hasta el término de su última función.

Para el equipo que conformamos Oculus, nos resulta imprescindible la apertura a lugares dedicados a espacios culturales en el país, sin embargo, invitamos a la introspección colectiva en cuanto a la latente problemática que los internautas no han dejado pasar de largo a partir de la noticia de la apertura de este espacio puesto que se han manifestado en contra de una extensión más de la Cineteca en la misma zona donde se localiza la ya establecida. Esto nos habla de la perpetua centralización; dejando de lado a todos aquellos y aquellas habitantes que residen en las periferias y que por cuestiones multifactoriales como lo son los largos trayectos y la falta de recursos económicos que se le puede disponer a la diversión o entretenimiento son escasos o nulos -puesto que gran porcentaje de la población trabajan al día y no se pueden permitir ese lujo-, entonces, resulta discriminatorio para este sector que se les invisibiliza y por tanto, se les restringe de este derecho humano como lo es tener acceso a estos espacios culturales.

No queda más que seguir alzando la voz por las redes sociales, esperando a que, en algún momento a este requerimiento se le preste la atención pertinente y se tomen cartas en el asunto y se busquen soluciones o alternativas para que estos espacios lleguen a otras latitudes.

Mientras tanto, las personas que tengan en sus manos las posibilidades para visitar este espacio en busca de pasar un rato entrañable, estaremos atentos de todo aquel y aquella seguidora que les apetezca compartirnos su experiencia.

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